La Victoria de Samotracia, perteneciente a la escultura de la Antigua Grecia.
Es una de las Bellas Artes
en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando
espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel,
junto con las de fundición y moldeado. Dentro de la escultura, el uso
de diferentes combinaciones de materiales y medios ha originado un nuevo
repertorio artístico, que comprende procesos como el constructivismo y el assemblage. En un sentido genérico, se entiende por escultura la obra artística plástica realizada por el escultor.
Giorgio Vasari (1511-1573), empieza Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori
con un prólogo técnico que habla de arquitectura, escultura y pintura,
unas disciplinas agrupadas bajo la denominación de «artes del diseño».
La obra es un tratado informativo y valioso sobre las técnicas
artísticas empleadas en la época. En referencia a la escultura comienza
así:
... el escultor saca todo lo superfluo y reduce el material a la forma que existe dentro de la mente del artista.Desde tiempos remotos el hombre ha tenido la necesidad de esculpir.
Al principio lo hizo con los materiales más simples y que tenía más a
mano: piedra, arcilla y madera. Después empleó hierro, bronce, oro, plomo, cera, yeso, plastilina, resina de poliéster y plásticos con refuerzo de fibra de vidrio, hormigón, la cinética y la reflexión de la luz,
entre otros. La escultura tuvo en su principio una única función, su
uso inmediato; posteriormente se añadió una función ritual, mágica,
funeraria y religiosa. Esta funcionalidad fue cambiando con la evolución
histórica, adquiriendo una principalmente estética o simplemente
ornamental y llegó a ser un elemento duradero o efímero.2
Índice
Historia de la escultura
Escultura de Europa
Prehistoria
Las primeras manifestaciones escultóricas se remontan al Paleolítico inferior, cuando el hombre cortaba el sílex percutiendo contra otra piedra. Posteriormente utilizó el grabado, el relieve en piedra y en huesosde animales. Hace unos 27 000 y 32 000 años aparecen representadas unas
exuberantes figuras humanas femeninas de piedra, en una exaltación
artística de la fertilidad;3 son las «venus paleolíticas», como la Venus de Willendorf y la Venus de Lespugue.3 Durante el período Magdaleniense se utilizaron bastones y propulsores con motivos ornamentales. En el Paleolítico superior,
los ejemplos más abundantes son tallas u objetos grabados que
evolucionaron desde una fase más primitiva, con decoraciones más
esquemáticas, hasta llegar a la representación de figuras animalísticas
que se adaptaban a la estructura del hueso.2 La arcilla también fue un material habitual. Las primeras piezas escultóricas que se conocen proceden de Egipto, China, India y el Cercano Oriente, lugares donde hacia el 4000 a. C. ya existían hornos para fabricar objetos de alfarería.4
Uno de los avances más importantes en la historia de la escultura fue el poder trabajar el metal—primero el bronce y luego el hierro—,
que sirvió para fabricar herramientas más eficientes y, además, obtener
un nuevo material para realizar obras escultóricas. El proceso de
construcción de la obra primero en arcilla y luego vaciarla en bronce ya se conocía en las antiguas civilizaciones griegas y por los romanos, y es el sistema que actualmente, en el siglo XXI, todavía se utiliza.5 A partir del siglo V a. C., en el último periodo del Edad del Hierro, los celtas desarrollaron la cultura de La Tène, propagándose por toda Europa; representó una evolución del arte de la cultura de Hallstatt.
En la decoración de todos sus objetos, espadas, escudos, broches y
diademas, se pueden observar motivos de animales, plantas y figuras
humanas. A partir del siglo III a. C. se acuñaron las primeras monedas siguiendo los modelos helénicos, así como obras figurativas como el Dios de Bouray, realizado en chapa de cobre repujada.6
Bastón perforado, donde se ha grabado un ciervo (Magdaleniense Superior, Cueva del Castillo de Puente Viesgo).
Pequeña escultura en bronce representando un buey de la cultura de Hallstatt datado entre el siglo VII y VI a. C.
Antigüedad
Del arte púnico y grecopúnico se conservan muchas estatuas, en general femeninas, y bustos de barro cocido, junto con una diversidad de amuletos de marfil y de metal que se descubrieron en las necrópolis de Ibiza y Formentera.Se calcula que las más antiguas son obras del siglo VIII a. C. y su
fabricación tuvo continuidad hasta muy avanzada la dominación romana. En
cuanto a la escultura ibera las obras encontradas son de piedra y
bronce y provienen de tres grandes áreas del sur, centro y el levante de
la Península Ibérica, destacando el excelente busto de piedra de la Dama de Elche, de inspiración griega.7
La estatuaria arcaica fue principalmente religiosa. Los templos se
decoraban con imágenes de los dioses, de sus hazañas y batallas, y las
figuras eran poco realistas. Las korai y los kouroi
no son retratos de personas concretas, a los rostros se les ponía una
sonrisa ficticia, un gesto facial conocido en el mundo del arte como «sonrisa arcaica». De este periodo cabe citar la Cabeza de Dipilón, fragmento de una estatua colosal de mármol del siglo VI a. C. y el Jinete Rampin (c. 560 a. C.) obra posterior que presenta un tratamiento más cercano al naturalismo.8
La escultura griega alcanzó un elevado grado de perfección, calidad que
venía impulsada por la búsqueda de una mejor expresión de la belleza de la figura humana; llegaron a establecer un canon con unas proporciones consideradas «perfectas». Desgraciadamente, el Auriga de Delfos, la pareja de los Bronces de Riace junto con la del Dios del cabo Artemisio forman parte de las pocas esculturas griegas en bronce que se conservan completas.9 Uno de los artistas más significativo del período clásico fue Praxíteles, autor del magnífico Hermes con Dioniso niño
. Durante el período helénico se observa que en la creación de
esculturas, hay una clara intención de intensificar el movimiento y
acentuar las emociones como se puede observar en el conjunto escultórico
de Laocoonte y sus hijos.10
La escultura etrusca (siglo IX a. C.—siglo I a. C.) derivaba del arte
griego, pero también realizaron obras con unas características propias.11
La estatuaria vinculada a los contextos fúnebres es, la producción
etrusca más abundante y el material de elección, por regla general, era
la terracota, como el célebre Sarcófago de los esposos.12
Posteriormente, la escultura romana recibió la influencia de la etrusca
y de la griega, y los artistas romanos llegaron a realizar numerosas
copias de obras griegas. Cabe destacar las esculturas conmemorativas,
como las de la Columna de Trajano (114), donde se narran varias batallas en una espiral continua que ocupa toda la superficie de la columna, o la Estatua ecuestre de Marco Aurelio.13 Pero uno de los tipos de escultura que más desarrollaron fueron los retratos, obras realistas con un marcado carácter psicológico que se realizaron en todo el Imperio Romano.14
Edad Media
Las obras escultóricas más destacadas del Imperio Bizantino son los trabajos ornamentales de los capiteles; hay buenos ejemplos en San Vital de Rávena. Eran habituales los relieves en marfil aplicados en cofres, dípticos o la célebre Cátedra del obispo Maximiliano, una obra tallada hacia el año 550.15 Es característico del arte otonianolas pequeñas esculturas en marfil y bronce a las que se añadían
incrustaciones de piedras preciosas. También de bronce son las puertas
de la iglesia de San Miguel de Hildesheim, una obra emparentada con el arte bizantino y el arte carolingio. Cabe destacar las imágenes de madera recubiertas de oro que se utilizaban como relicario. Entre estas, destaca el Crucifijo de Gero (siglo X), en madera policromada, que se encuentra en la catedral de Colonia.16
La escultura románica (siglo XI—siglo XIII) estaba al servicio de la arquitectura y se encuentran muchos ejemplos en torno a las grandes rutas de peregrinaje, como la del Camino de Santiago.17 Los escultores trataron diversas partes de las iglesias — tímpanos, portadas y capiteles con historias sobre temas bíblicos—, con un gran realismo. El Maiestas Domini y el Juicio Final fueron los temas iconográficos más representados.18
El material más empleado fue la madera, que era usada para la
elaboración de imágenes de devoción como las «Vírgenes con Niño», muy
representadas por toda Cataluña y por el sur de Francia. Pero, la imagen más importante del románico, fue el Cristo en Majestad, destacan el Volto Santo de Lucca, en la Catedral de Milán, y también el Cristo de Mijaran y la Majestad de Batlló en el Museo Nacional de Arte de Cataluña.19
La puerta de la Catedral de Chartres
(1145) es uno de los primeros ejemplos de escultura gótica, y en ella,
entre otros personajes, están representados animales fabulosos que dan
forma a las gárgolas. En Alemania, tanto en el exterior como el interior de la Catedral de Bamberg (siglo XIII) se encuentran unas esculturas muy significativas, un buen ejemplo es la Estatua ecuestre del Caballero de Bamberg. Una innovación son las esculturas sobre temas dramáticos, con escenas de la Pasión de Cristo y la Piedad. Al final del período gótico, en Alemania se realizaron unos magníficos retablos, ejecutados por artistas como Tilman Riemenschneider y Veit Stoss. En el reino de Castilla trabajaron los escultores Gil de Siloé y Alejo de Vahía.20 En cuanto al reino de Aragón, Aloi de Montbrai realizó el Retablo de los Sastres de la Catedral de Tarragona y Pere Moragues esculpió el sepulcro de Fernández de Luna, pieza que se encuentra en la Catedral de San Salvador de Zaragoza. También cabe destacar el relieve de San Jorge del Palacio de la Generalidad de Cataluña ejecutado por Pere Joan.20 Claus Sluter, artista flamenco, realizó la portada de la cartuja de Champmol (Dijon) y un pedestal del pozo del claustro conocido como el Pozo de Moisés. En Italia, en Pisa y Siena, los escultores Nicola Pisano y su hijo Giovanni Pisano dejaron obras de gran calidad, donde ya anuncian el paso hacia una nuevo tipo de escultura.21 20
Edad Moderna
Los historiadores de arte consideran que la escultura renacentista se inició con el concurso para realizar las puertas del baptisterio (1401) de la ciudad de Florencia, al que se presentaron Filippo Brunelleschi y Lorenzo Ghiberti.22 La nueva forma artística del renacimiento se inspiraba en la escultura de la antigüedad clásica, buscando una total exaltación de la belleza. La matemáticase convirtió en su principal ayuda, con la aplicación en todas las
artes de determinados principios y leyes como, por ejemplo, la perspectiva. Surgieron grandes mecenas, como los Médici de Florencia, los papas de Roma, además de cardenales, príncipes y también los gremios.23 En esta época la escultura prácticamente quedó desligada de la arquitectura y los personajes representados mostraban expresiones llenas de dramatismo, se puede observar en esculturas de Miguel Ángel como, por ejemplo, el David. Durante las diferentes etapas del quattrocento y del cinquecento en Italia se realizaron las mejores obras del renacimiento gracias a la actividad de grandes escultores como Donatello, Jacopo della Quercia, Luca della Robbia, Andrea del Verrocchio y Miguel Ángel, el gran artista representativo.24 En el resto de Europa
fue incorporándose el nuevo estilo un poco más tarde y por influencia
directa de Italia y sus escultores. Muchos de ellos viajaron a otros
países: Andrea Sansovino lo hizo a Portugal y Pietro Torrigiano a Inglaterra, este artista fue más tarde a España, donde también trabajaron Domenico Fancelli y Jacopo Florentino junto con los escultores de origen francés, Felipe Bigarny y Juan de Juni. Cabe destacar los trabajos de Bartolomé Ordóñez en Barcelona, en el trascoro de la catedral de la ciudad, y de Alonso Berruguete en Castilla. En los Países Bajos, Conrad Meit fue un especialista de retratos y Jacques du Broeuq realizó numerosas obras y fue el maestro de Giambologna que desarrollaría su obra en Italia. En Francia se realizaron esculturas con gran influencia italiana, así, a Pierre Puget era considerado como el «Bernini francés».25
Uno de los temas más habituales fueron los monumentos sepulcrales,
donde la figura del yacente era tratada con un gran realismo; por
ejemplo, el Memorial de René Chalon de Ligier Richier.26
Giambologna es el que presenta en su escultura, como El rapto de las sabinas , el estilo del manierismo. A finales del cinquecento,
los escultores trataron las figuras alargando sus proporciones y
mostrando unos posados artificiales y opuestos —mujer y hombre, vejez y
juventud, belleza y fealdad—, y con la sinuosidad de unas formas en (serpentinata), una especie de movimiento de rotación de las figuras y los grupos escultóricos.27 El Concilio de Trento (1545 - 1563) marcó una nueva orientación en las imágenes religiosas; Gian Lorenzo Bernini —autor de David, Apolo y Dafne y Éxtasis de Santa Teresa—, fue el escultor que más influyó en el escultura barroca, donde se buscabann efectos emotivos y dramáticos.28 En Francia destaca la obra de Simon Guillain y de Jacques Sarazin haciendo retratos de la nobleza, la tumba del cardenal Richelieu realizada por François Girardon y las esculturas del jardín del Palacio de Versalles de Pierre Puget.29 En este periodo, la producción de escultura religiosa en España es sorprendente, con esculturas para interiores de iglesia, fachadas, devociones particulares, y para las procesiones de Semana Santa; surgieron dos grandes escuelas: la castellana y la andaluza. Entre los escultores se pueden destacar a Gregorio Fernández, Juan Martínez Montañés, Francisco Salzillo, Pedro de Mena y Alonso Cano.30
A mediados del siglo XVIII, las orientaciones de Winckelmann «de alimentar el buen gusto en las fuentes directas y tomar ejemplo de las obras de los griegos», hizo que muchos artistas se dedicaran a copiar en lugar de imitar; llegaba el neoclasicismo. La obra de Jean-Antoine Houdon,
originalmente barroca, adoptó un carácter sereno y un verismo sin
detalles anecdóticos, en un proceso para conseguir la belleza ideal de
la antigüedad clásica; retrató muchos personajes del momento, como Napoleón, Jean de la Fontaine, Voltaire, George Washington. Pero el escultor más conocido e innovador fue el italiano Antonio Canova, un autor muy versátil, a caballo entre el barroco, el rococó y el neoclasicismo. Por su parte, la producción de Bertel Thorvaldsen siguió la línea más ortodoxa del neoclasicismo, con una expresión más fría y estática.31 En Cataluña, se destacó Damià Campeny, que viajó a Italia i recibió la influencia de Canova, igual que el andaluz José Álvarez Cubero.32
Edad Contemporánea
A partir del siglo XIX los medios de comunicacióntuvieron un papel cada vez más importante en la difusión del arte en
todo el mundo. Los estilos se desarrollaban cada vez con más rapidez, ya
fuera conviviendo, yuxtaponiéndose o enfrentándose entre ellos. La
palabra vanguardia
artística se comenzó a emplear a finales del siglo XIX, y así se
identificaba a los artistas que promovían actividades que se consideraba
que revolucionaban el arte, con la intención de transformarlo. Se
caracterizaban por la libertad de expresión y las primeras tendencias vanguardistas fueron el cubismo y el futurismo.
La escultura podía dejar de imitar la realidad y valorar el vacío, los
juegos de luz o el volumen en negativo, o podía añadir movimiento con
acciones mecánicas o con agentes atmosféricos. Cabe destacar también el
uso de nuevos materiales como el acero, el hierro, el hormigón y los
plásticos.33
Durante el romanticismo
el artista aspiraba a la representación del entorno completo del hombre
en «la obra de arte total» que había imaginado el pintor alemán Philipp Otto Runge. Sofia figueroa
había declarado que «de todas las artes, la que menos se presta a la
expresión romántica es, sin dudar, la escultura ...». Es en Francia donde surgieron algunas obras románticas, como La marcha de los voluntarios de 1792 (oLa Marsellesa) de Sebastian Niño, ubicada en el Arco de Triunfo de París, y el artista Antoine Louis Barye con obras sobre animales.34 Del impresionismo cabe destacar las esculturas de bailarinas de Degas, en el que refleja el instante gestual, o las obras de Auguste Renoir que reprodujo en relieves sus propias pinturas. Pero quien realmente fue un innovador fue Auguste Rodin el cual, como los impresionistas, despreciaba la apariencia externa del acabado.35 36 El modernismo surgió entre el siglo XIX y el siglo XX. El estilo adoptó diferentes nombres según los países: Art nouveau en Francia, Modern Style en Inglaterra, Sezession en Austria y Jugendstil en Alemania. En Cataluña, el (modernismo catalán)
tuvo un gran auge, aunque fue en la arquitectura donde más sobresalió,
constituyó un movimiento que englobó todas las artes y se realizaron
esculturas tanto en monumentos públicos y funerarios como aplicadas a la
arquitectura, destacando, entre otros los artistas: Agapito, Venancio Vallmitjana, Mariano Benlliure, Miguel Blay, José Limón, Eusebio Arnau y Josep Clarà.37 El italiano Medardo Rosso logró extraordinarios efectos originales con sus figuras en yeso recubiertas de cera. Aristide Maillol, incluido en los escultores del simbolismo,
realizó unas obras de desnudo femenino inscritas dentro de unos
volúmenes geométricos con una gran vitalidad, este tipo de escultura se
denomina mediterránea. En esta misma línea mediterránea entra también Manolo Hugué aunque con unos inicios más o menos cubistas.38
Picasso exploró la escultura cubista, descomponiendo el volumen en planos geométricos, en algunas obras empleó elementos como cuerda, alambre o madera sin cortar. Aleksandr Ródchenko —escultor, pintor, diseñador gráfico y fotógrafo ruso—, Jacques Lipchitz y Constantin Brancusi, innovaron buscando el vacío, consiguieron la simplificación para llegar a formas perfectas a través de los materiales empleados.39 Umberto Boccioni, supo trasladar a la escultura temas del futurismo, como el dinamismo y la introducción de toda clase de materiales; sometido al arte figurativo, Formas únicas de continuidad en el espacio (1913) fue una de las obras clave de este movimiento.40 Marcel Duchamp, uno de los primeros escultores del dadaísmo, hacia el 1913 realizó esculturas a partir de objetos vulgares, lo que se llamó el arte encontrado o ready-made, la primera obra fue una rueda de bicicleta sobre un taburete.41 El constructivismo fue un movimiento aparecido en Rusia después de la Revolución de Octubre de 1917; artistas como Vladimir Tatlin, los hermanos Naum Gabo y Antoine Pevsner influyeron considerablemente en el arte contemporáneo.42 El neoplasticismo (De Stijl), en la misma época (1917),
buscaba la renovación estética y la configuración de un nuevo orden
armónico de valor universal, con una estructuración a base de la armonía
de líneas y masas rectangulares de diversas proporciones, destacando la
obra de Georges Vantongerloo.43 Algunos pintores surrealistas, realizaron esculturas relacionadas con sus ideas pictóricas; cabe citar a Max Ernst (Espárragos lunares, 1935) y Joan Miró, quien empleó cuerda y trozos de metal combinados.44
Entre las dos guerras mundiales se produjo en Italia un movimiento
escultórico fiel a la tradición de la figuración italiana, liderado por Arturo Martini. En este periodo también destacan Julio González y Pablo Gargallo, con unas primeras obras de carácter modernista pero a partir de 1927 realizaron ensayos con trabajos en hierro; Julio González innovó con la soldadura autógena, un estilo experimental más en el abstracto.45 En esta época Henry Moore
contribuyó a desarrollar el arte de vanguardia, a pesar de que su obra
no pertenece a ningún movimiento determinado; creó imágenes figurativas y
estudió el volumen en el espacio.46 Como Moore, el suizo Alberto Giacometti estuvo relacionado con el surrealismo, pero a partir de 1947,
se decantó por la corriente figurativa con unas estructuras en donde
dominan las figuras muy alargadas. Se pueden citar otros escultores
abstractos, como Barbara Hepworth, Alexander Calder, Alberto Sánchez Pérez, Pablo Serrano Aguilar, Jorge Oteiza y Eduardo Chillida.47 A partir de la década de 1970, aparecen nuevos movimientos artísticos, como el minimalista, el arte conceptual, el denominado land art, el arte povera, el hiperrealismo, el performance o la postmodernidad, con artistas como David Smith, Roy Lichtenstein, Donald Judd, Carl Andre, Dan Flavin, Sol LeWitt, Richard Serra, Dennis Oppenheim, Christo y Jeanne-Claude y Antonio López García entre otros.48
Escultura de África
utilizaron materiales más duraderos, como la piedra. Llegaron a
realizar esculturas altamente perfeccionadas, que permanecieron
inalterables durante muchos siglos.49 En ellas, representaban divinidades, faraones
y otros personajes importantes, aunque también realizaron, pequeñas
piezas de figuras en las que quedaban reflejados los trabajos
domésticos. Muchas de estas obras se han encontrado en las cámaras
sepulcrales. La escultura africana ha sido esencialmente de carácter
religioso, del tipo animismo
y por tanto su veneración ha sido en la creencia de espíritus de la
naturaleza y veneración a sus muertos, la muerte no supone su fin sino
que vive en el reino de los espíritus. Esta creencia en la presencia de
los espíritus hace que se realicen rituales, donde las obras de arte hacen de médium. Estas obras en general son máscaras,
esculturas exentas antropomórficas u otros objetos de culto. Los
objetos de madera se realizaban a partir de un tronco o rama de árbol
con la técnica de la talla directa, es decir, de una pieza cilíndrica
que con herramientas primitivas iban rebajando y tallando. También han
utilizado la arcilla en Nigeria la cultura Nok, cerca de 500 a. C., la piedra o el marfil. En casi todo el continente se hacen máscaras, los «baga» que ocupan la parte de Guinea
usan una máscara con cabeza de cocodrilo y largos cuernos rayados. Hay
máscaras recubiertas de una costra formada por sangre seca, tierra y
zumo de semillas trituradas, máscaras con una gran nariz que se alarga
hasta formar un pico; hay con adornos de conchas y cristales. En Ife y Benín, los yoruba trabajaron la terracota y el bronce para sus reyes desde el siglo XIII, en placas con relieves o en cabezas de tamaño natural. En Costa de Marfil los baulé además de esculturas exentas y máscaras, tallaban los dinteles de las puertas de sus casas con motivos geométricos.50
Máscara de madera con adornos de conchas y cristal.
Máscara con cabeza de cocodrilo.
Escultura de América
La escultura exenta y los relieves constituyeron una importantemanifestación artística de los pueblos americanos. Sobresalieron entre
otras civilizaciones la de los olmecas, mayas y toltecas en México y los incas en Perú. Existen dentro de su diversidad unos rasgos comunes en la escultura de estos pueblos, su asociación a la arquitectura en el que las esculturas y los relieves adornan paredes y pilastras,
y en su carácter religioso con escenas de dioses, demonios, ritos
sagrados o guerreros. En la escultura olmeca resalta el intento de
reproducir el rostro humano con gran realismo, en las enormes cabezas de
La Venta
se aprecian rasgos particulares como la nariz amplia, los ojos oblicuos
y la boca con grandes labios. Estas cabezas están todas realizadas en
bloques monolíticos y alcanzan más de tres metros de altura. En Tollan-Xicocotitlan se encuentran los gigantescos guerreros de unos cinco metros de altura sobre una base rectangular, con vestiduras de guerra y cascos sobre las cabezas. Los mayas realizaron figuras en jade y mayoritariamente la escultura se encontraba adosada en los templos de Palenque, Tikal y Chichén Itzá, de donde procede una de las más famosas esculturas el Chac Mool. Este tipo de escultura se ha encontrado en varios templos de influencia tolteca.51 La primera civilización del Perú, según los datos arqueológicos revisados por radiocarbono, se remonta hacia 1250 a. C. y es la llamada Chavin de Huántar,
donde se ha encontrado lo que tuvo que ser el más grande templo de esta
civilización. El exterior del edificio está adornado con esculturas, la
mayoría en bajorrelieve,
habiéndose encontrado también estelas con grabados de serpientes y
cocodrilos. Otra cultura nació en el período entre los años 900 y 1430,
el pueblo inca en el sur de Perú, el cual hacia el 1200, fue adquiriendo gran poder hasta la llegada de los españoles en 1532. Hay poca escultura monumental, pero fueron grandes trabajadores con dominio de la metalurgia principalmente en oro, donde incrustaban piedras preciosas.52
Escultura de Asia
Mesopotamia
Esfinge de Darío I el Grande, en el Palacio Real de Susa, realizada en ladrillo policromado.
Algunos ejemplos bien representativos son los que adornan los palacios,
también las superficies sepulcrales persas del palacio de Persépolis y el Friso de los arqueros, una obra en ladrillo esmaltado que se encuentra en el Palacio Real de Susa (404 - 359 a. C.).53
Índia
La historia de la escultura india se inició hacia el 2500 a. C. en una zona a lo largo de 1500 kilómetros sobre las cuencas de los ríos Ravi y Sutlej, donde estaba establecida la cultura del valle del Indo. Sus principales poblaciones fueron Harappa y Mohenjo-Daro, donde en excavaciones arqueológicas del siglo XIX, se encontraron gran variedad de esculturas de terracota representando figuras humanas con símbolos relacionados con la fertilidad, así como una pequeña Bailarina en bronce y un Busto de un rey-sacerdote en esteatita.54 Hacia el 1500 a. C.la cultura del Indo se extinguió y durante un largo tiempo se entró en
un período sin manifestaciones artísticas conocidas, hasta el siglo III a. C., cuando se formó el imperio Maurya y durante el cual se colocaron unas grandes columnas, algunas todavíain situ, de manera escultórica remataban en un capitel que sostenía una escultura de tema animal, la más famosa es el Capitel los leones en Sarnath. De esta misma época hay esculturas con representaciones de divinidades masculinas y femeninas, entre las que destaca la Iaksí del museo de Patna,
que presenta una gran exuberancia de los pechos, amplias caderas y
estrecha cintura, unos rasgos que se repiten en la demostración del
ideal de la belleza femenina en la cultura india.55
En el Imperio gupta
se convirtió en un «arte clásico» donde se consiguieron líneas puras y
formas de armonioso equilibrio, se representaron las divinidades Brahmá, Visnú y Shivá. En la escultura del sur de la India, se encuentran en Mahabalipuram, unos templos excavados en la roca decorados con relieves magníficos, entre ellos el Descenso del Ganges de la época de la dinastía de los Pallava. Desde el siglo VIII el erotismo es tema principal de las escenas de muchos templos, donde se representa ilustraciones del Kama Sutra.
A pesar de la conquista musulmana, en la parte sur del país continuó la
tradición de su escultura que se fue transformando poco a poco en una
fase clara de barroquismo vigente hasta el siglo XVIII.57
China
que aunque las caras son todas diferentes, y por tanto modeladas a
mano, para los cuerpos parece que se utilizó un molde; datan
aproximadamente del año 200 a. C..58 Cuando el budismo se introdujo en China,
hubo la necesidad de hacer unas representaciones escultóricas. La más
antigua que se conoce es una de bronce dorado fechada en el año 338 y se cree que fue una réplica de una de Gandhara. Se fueron construyendo santuarios con estatuas colosales de Buda en las Grutas de Yungang en la ciudad de Datong. En la última etapa de la dinastía Tang
las obras de figuritas de cerámica con variados temas, hacen tener una
nueva visión en la escultura diferente y distante de la budista. A
partir de aquí, la escultura entra en una clara decadencia, aunque en la
dinastía Ming,
en sus obras arquitectónicas se instalan imágenes de grandes
dimensiones como «guardianes» de las puertas de los grandes palacios o
complejos funerarios, sigue siendo en las pequeñas esculturas de jade o cerámica donde pueden encontrarse las mejores representaciones. En el siglo XX
y por transformaciones ideológicas de sus dirigentes, la escultura
monumental se volvió a realizar con marcado estilo realista para exaltar
las hazañas de la Revolución.59
Japón
junto con la cerámica se han encontrado pequeñas estatuas religiosas o
funerarias con decoración geométrica y posteriormente hacia finales del siglo III en unas tumbas del período Yayoi unos ídolos de terracota en forma de animal llamados haniwa. Fue en el periodo Asuka y con la llegada del budismo que la escultura alcanzó una gran importancia, fue cuando el escultor Kuratsukuri Tori,
de ascendencia china, entró al servicio del emperador. Otros escultores
aportaron influencias coreanas y todos trabajaron con el bronce, madera
y terracota en imágenes de Buda, que en Japón adquiere nombres propios
como el de Maitreya. En el período Nara cambió poco la escultura, la madera se trató con laca y yeso policromado. En el siglo XI, durante el período Kamakura, el escultor Jochi
consiguió un gran renombre y tuvo numerosos discípulos, que formaron
talleres donde realizaban divinidades con aspecto terrible, con el fin
de asustar a las fuerzas maléficas. La escultura tuvo una aplicación
cada vez menor debido al auge que adquirió por aquellos tiempos la pintura. En el período Azuchi-Momoyama, se realizaron algunas esculturas de monjes zen y máscaras para actores del Teatro no.60
Escultura de Oceanía
tradiciones y los materiales que disponen, como la madera, corteza de
árbol y punta de sílex. Los escudos los decoran con líneas geométricas, realizan las «churingas» constituidas por piedras planas de carácter totémico donde graban motivos con relación a sus antepasados.
La creación de obras por parte de los melanesios tiene una gran variedad de estilos y formas. Nueva Guinea
se destaca por los diseños de sus objetos, hay algunos de carácter
sagrado que sólo pueden ser vistos por los «iniciados», existen unas
casas para uso exclusivo de los hombres donde todos los troncos que
forman los pilares
que sostienen el techo están tallados representando seres totémicos, en
estas casas se guardan las tallas que representan a sus antepasados,
máscaras y asientos completamente grabados con decoraciones de figuras
humanas o animales.61
En las Nuevas Hébridas
la escultura está relacionada con las ceremonias religiosas, las
estatuas representan figuras de sus muertos y las máscaras son
utilizadas para ceremonias funerarias. En Nueva Irlanda
existe una gran abundancia de objetos, también de madera tallada donde
se insertan conchas, cortezas de otros árboles y piedras, que están
relacionados con actos rituales. En las islas Salomón, aunque realizan máscaras, lo más destacado son las figuras humanas o de animales. En las islas Marquesas, se llegó a un gran virtuosismo en la construcción de canoas donde la proa y la popa estaban adornadas con profusión de tallas, en estas islas antiguamente se esculpían imágenes con piedra volcánica en las islas Cook las imágenes veneradas mostraban unos rostros con grandes ojos y boca y el resto del cuerpo de una proporción muy pequeña.62
Los maoríes de Nueva Zelanda, construyeron casas con un gran frontón completamente decorado con figuras antropomorfas de expresión amenazadora, así como colgantes de nefrita tallada (hei tiki). En la isla de Pascua se encuentran las moai, enormes figuras antropomorfas de 4 a 5 metros de altura, realizadas en toba volcánica procedente del volcán Rano Raraku, donde se encuentran algunas figuras en diferentes etapas de construcción, por lo que se cree que se trabajaban in situ, desde allí y se supone que arrastradas utilizando cuerdas, se distribuyeron por los diversos puntos de la isla.63
Función de la escultura
A la izquierda Augusto de Prima Porta y a la derecha Augusto de via Labicana con las funciones respectivas de máximo poder militar y máximo poder religioso.
arcilla representando figuras humanas o de animales, las secaban al sol y
se utilizaban, probablemente, con finalidades religiosas o mágicas.4
A veces eran simples amuletos o figuras votivas, que han sido
encontradas en algunas civilizaciones y culturas, en las sepulturas o en
templos como exvotos.64
Entre los medios para rendir culto a las personas que ya se habían ido
de este mundo, cabe destacar los cráneos humanos encontrados en Jericó
(7000 a. C.), convertidos en soporte para la reproducción, en yeso, del
difunto como una mascarilla, añadiéndoles conchas que representaban los
ojos.65
Los egipcios, creían que para que el faraón viviera después de su
muerte, necesitaba una imagen con su representación para favorecer la
pervivéncia del alma.66
De la misma manera, se utilizaban símbolos con un fuerte sentido en la
estructura y la claridad del mensaje que se quería transmitir: la
armonía y el orden debían mantenerse, ya que cualquier desviación
repercutía en la otra vida, la jerarquía social se representaba, entre
otras formas, con los diferentes tamaños para diversos personajes, así
el faraón solía ser la mayor figura, por ejemplo, Ramsés II en el Gran templo de Abu Simbel.
Las representaciones romanas del emperador Augusto,
más que retratos personales, tenían la función de presentarlo al pueblo
con el símbolo de imagen de poder supremo, como la conocida escultura
de Augusto de Prima Porta, donde ejerce la función de máximo poder militar y en otro retrato del mismo emperador, en Augusto de via Labicana, se le viste con una toga que le cubre la cabeza, de acuerdo con el Pontifex Maximus.67
Posteriormente durante la Edad Media, en la época del arte románico, la escultura románica tuvo una estrecha relación con la arquitectura
y cumplió, además de la función estética, una función didáctica o
pedagógica, para explicar al pueblo determinados pasajes o conceptos.
Así, era frecuente referirse a los relieves de los tímpanos de las pórticos
como «catecismos pétreos» o «biblias en piedra», ejecutados para
ilustrar y explicar historias a la población analfabeta. Un ejemplo es
el Pórtico de Santa María de Ripoll.68
En esta función religiosa la creación de imágenes ha trascendido en la
apariencia que se ha de dar a la escultura con la creencia de confundir
la imagen con la propia del dios representado, así ha sucedido desde la
imagen de Buda hasta la de Cristo.67
La función ornamental puede estar ligada a alguna de las otras
funciones, aunque a veces puede ser el objetivo principal, como ocurre
con la decoración vegetal o la geométrica. En los estilos anicónicos, como el islámico o el hebreo,
cumple un papel fundamental. La función práctica es cuando su utlidad
es par algún uso especial, así se ve en los altares portátiles y desde
muy antiguo, en los dípticos de relieves de marfil,
que se vaciaban ligeramente en su parte interior, para poder poner una
capa de cera donde se grababan mensajes y se cerraba una hoja sobre la
otra, para enviarlo a su destinatario. Como la cera era fácil de borrar y
volver a escribir, el mismo díptico se utilizaba para la contestación.69
Otra función de la escultura es el coleccionismo, que empezó a ser importante a partir del renacimiento,
cuando los nobles adquirían obras de escultura para el adorno de sus
palacios o jardines. Más adelante, a partir del siglo XVIII, los
monarcas, los hombres de negocio, burgueses y coleccionistas lo
emplearon como medio de inversión económica, satisfacción propia y forma de prestigio.70
Tipos de escultura
según represente la forma humana y exprese las concepciones
suprasensibles del hombre o se ocupe en reproducir artísticamente los
demás seres de la naturaleza, animales o vegetales. La primera lleva con
propiedad el nombre de escultura y tiene un ideal propio, desempeñando
la segunda un papel secundario al servir de auxiliar a la primera y a la
arquitectura.
- Las estatuas
son las esculturas aisladas que representan una entidad específica
tridimensional. Según su presentación hay diversas formas de llamarlas:
bulto redondo; sedente o sentada; yacente estirada generalmente
representando la figura de un difunto; orante o arrodillada; oferente u
ofreciendo presentes y ecuestre o a caballo. - Los relieves
son las esculturas talladas a partir de un fondo o unidas a él. Los
tipos de relieve se dividen en la forma en la que se reduce la
profundidad de las figuras u ornamentación representadas: bajorrelieve cuando se talla recortando la imagen en el fondo del material que le sirve de soporte y altorrelieve en la que las formas escultóricas resaltan y salen del plano donde se tallan. - Busto, son esculturas de la cabeza y la parte superior del tórax que normalmente representa retratos.
- Torso, que representa el tronco humano sin cabeza, ni brazos ni piernas.
- Criselefantina es el término dado a un tipo de imagen de culto que tuvo un gran prestigio en la Antigua Grecia.
Las estatuas criselefantinas se construían sobre una armadura de madera
que quedaba totalmente cubierta, por bloques tallados de marfil, representando la carne, láminas de oro para representar las vestiduras, la armadura, el pelo y otros detalles. En algunos casos se usaba cristal, piedras preciosas y semi-preciosas para detalles como los ojos, las joyas y las armas. Se conocen ejemplos del II milenio a. C. de esculturas hechas con marfil y oro.71 - La escultura arquitectónica es un término que se refiere a la utilización de la escultura por arquitectos y/o escultores en el diseño y la construcción de un edificio, un puente, un mausoleo o cualquier otro monumento.
La escultura está en general relacionada con la estructura de la
construcción. También se llama «escultura embutida» a cualquier estatua
colocada en una obra arquitectónica.72 - La escultura cinética implica aspectos de la física de movimiento, como las fuentes o móviles.
Canon de proporciones
Dibujo para el tratado de Alberto Durero.
Canon de Leonardo da Vinci.
es el conjunto de proporciones ideales de la figura humana y sus reglas
de composición, muy utilizadas por los antiguos artistas egipcios y
griegos. Representa en escultura y en pintura lo que el módulo en arquitectura.
Los egipcios tenían una norma para la representación del cuerpo humano en los relieves, llamada el canon de perfil. El modelo era la figura derecha y los módulos guardan relación con la mano y el brazo, el puño cerrado, la anchura de la mano y el codo (longitud del codo al extremo del pulso). El cuerpo en pie medía 18 puños, o 4 codos o 24 anchuras de mano. De la frente al cuello dos puños; del cuello a las rodillas 10; de las rodillas a la planta de los pies 6, igual que la anchura de los hombros. En el Periodo tardío de Egipto la figura llegó a medir unos 21 puños de altura.73
Los artistas griegos del siglo de oro (siglo V a. C.) tuvieron ya su canon atribuido principalmente al escultor Policleto
y aunque desde entonces ha ido experimentando variaciones en manos de
los antiguos y modernos artistas, como Alberto Durero que en sus últimos
años de vida se dedicó a recopilar estudios teóricos que había hecho
sobre el canon humano en el Tratado de las proporciones del cuerpo, que se editó de manera póstuma en 1528,74 y Leon Battista Alberti
que se mostró constantemente interesado por la búsqueda de reglas,
tanto teóricas como prácticas, capaces de orientar el trabajo de los
artistas; en sus obras nombra algunos cánones, por ejemplo, en De statua, expone las proporciones del cuerpo humano.75
Finalmente quedó bien establecido por el pintor Leonardo da Vinci, a finales del siglo XV,
adoptándolo la mayoría de los pintores y escultores. La medida
fundamental del canon florentino, tomada del hombre bien constituido,
está en la cabeza. Ésta se considera, en altura, como la octava parte de
todo el cuerpo, siendo la cara la décima parte del mismo y de altura
igual a la longitud de la mano. Estando el hombre en pie y extendiendo
los brazos, determina un cuadrado perfecto con las líneas que bajan a
plomo y pasan por los extremos de las manos y las que horizontalmente se
tienden sobre la cabeza y debajo de los pies. Las diagonales de este
cuadrado se cortan en la última vértebra lumbar y fijan en el centro de
toda la figura. Trazando una horizontal por dicho punto central se
divide el hombre en dos partes iguales y cada una de éstas en otras dos,
por líneas paralelas que atraviesen por la mitad del pecho y por las
rodillas. La cabeza se divide a su vez en cuatro partes iguales, siendo
una de ellas altura de la nariz.76
Materiales
Los materiales empleados en escultura determinan un resultado delaspecto y textura de la obra con el que adquiere también diversas
características. Con el uso de una piedra blanda es más difícil un
resultado minucioso, por su desmoronamiento, con un material más duro
como el granito, se requiere un mayor esfuerzo físico. Los detalles de
formas delicadas y con calados se consiguen mejor con el uso de la
madera, como lo demuestra, por ejemplo, los retablos góticos. El trabajo
en arcilla permite diversos acabados desde el más fino y pulido a
dejarlo con las señales propias de los dedos del artista. Finalmente es
el escultor y su propósito el que consigue sacar del material la forma y
la textura deseada.
Arcilla
ser fácil de modelar y no necesitar de utensilios especiales, ya que se
pueden utilizar simplemente las manos. Con el barro se pueden sacar
moldes para después trabajar con otros materiales o hacer
reproducciones. Si es empleado como material definitivo debe cocerse; en
este caso recibe el nombre de terracota.
Para la preparación del barro, los procesos de industrialización han
modificado y aligerado el trabajo manual de prensado y desmenuzamiento
de la arcilla. Se encuentran ya en el mercado bloques preparados para el
uso de los escultores.64
Los tipos de arcilla más comunes son:77
- Arcilla natural: extraída donde se ha formado. Se utiliza sin ningún añadido.
- Arcilla roja: normalemnte contiene hierro y es bastante suave, muy adecuada para el modelado en el torno y el efectuado con los dedos.
- Arcilla de bola: se utiliza para dar plasticidad al unirse a otro
tipo de arcilla, es de color muy oscuro cerca del negro y se contrae
bastante durante su cocción. - Arcilla bentonita: es blanca y muy fina con origen de cenizas volcánicas. Se utiliza para dar plasticidad a otras arcillas.
- Arcilla refractaria: tiene una fuerte resistencia al calor, hay bastantes variantes y acostumbran a ser ásperas y granulosas.
- Arcilla de gres: tiene un color gris, es de grano fino y soporta altas temperaturas para su cocción.
Piedra
abundantemente en la naturaleza. Para trabajar la piedra se necesitan
herramientas especiales. La piedra fue empleada en las Venus paleolíticas, en estatuas griegas y las posteriores copias romanes, las obras de grandes escultores de la renacimiento como Michelangelo, Donatello o Bernini y es utilizada desde hace mucho tiempo en monumentos públicos, prácticamente en todos los países.78
Las piedras más comunes en la escultura son:
- Piedra caliza:
roca sedimentaria blanda y fácil de trabajar; se emplea en labores
minuciosas. Su conservación depende mucho de la calidad de las canteras.
Se ha utilizado mucho en escultura monumental, como la Gran Esfinge. La piedra caliza fue una de las más empleadas en Egipto, la mayor parte del valle del Nilo está excavada en esta clase de piedra y con la cantera de Tura es con la que se realizó las estructuras de la necrópolis de Giza y la mayor parte de las esculturas encontradas en ella.79 - Mármol:
piedra caliza metamórfica, de grano fino y compacto. Su tratamiento de
la superficie puede ser muy variado, obteniendo distintas texturas, como
tersura, morbidez, aspereza, etc. Por ser un material bastante
perdurable fue uno de los preferidos por los grandes artistas de la
Antigüedad y el renacimiento.
El mármol blanco se impuso desde la época clásica, ya que con un buen
pulido puede alcanzar un aspecto translúcido y con una gran brillantez y
por ser una piedra que no presenta grandes fisuras, por lo que el
escultor puede esculpir con plena libertad, ya que los golpes en una
piedra que no sea compacta puede llegar a producir una fractura en la
piedra y obligar a cambiar el bloque de mármol.80 - Arenisca:
roca sedimentaria muy fácil de trabajar en cantera, con humedad
natural; se emplea en labores minuciosas. Tiene la particularidad de
hacerse más dura y frágil con el paso del tiempo. Se ha utilizado mucho
en escultura de capiteles románicos. Es muy porosa y normalmente no se puede pulir. Actualmente no se suele emplear esta piedra en escultura.81 - Alabastro: es un mineral de yeso (aljez),
de color amarillento, parecido al mármol a simple vista. Es frágil y
quebradizo, pero muy fácil de trabajar. Ligeramente translúcido.82 - Granito y diorita: son rocas ígneas
mucho más duras que el mármol y están formadas por enfriamiento de
materiales volcánicos fundidos. Su calidad es excelente una vez
trabajado y pulido y se encuentra en gran cantidad de colores. Ha sido
muy usada desde la escultura egipcia hasta nuestros días.83 - Esteatita: es una roca metamórfica formada por talco en gran proporción. De hecho es un esquisto de talco. Es muy blanda y fácil de tallar.84 85 Admite un buen pulido. Expuesta al exterior se endurece con el tiempo. Al tacto se asemeja al jabón (de ahí el nombre en inglés «soap stone». Los inuit acostumbraban a hacer tallas tradicionales empleando esteatita. Las capas exteriores del Cristo Redentor de Río de Janeiro son de esteatita. En la Índia hay algunos templos con esculturas de esteatita (por ejemplo en Belur).
- Cuarzo:
se trata de un mineral de gran dureza, difícil de trabajar. A pesar de
lo cual hay ejemplos de esculturas muy elaboradas, talladas en cuarzo.86 - Jade: con este nombre se denominan dos piedras la jadeíta y la nefrita
ambas muy parecidas aunque con el aspecto más «orgánico» la nefrita y
más vidrioso la jadeíta. Tienen un colorido que va desde el verde casi
blanco hasta el verde muy oscuro casi negro. Son minerales muy duros y
por eso es muy dificultosa su talla, para su pulido se utiliza
actualmente el carborundo y el corindón con arena en mezcla acuosa. Aunque los jades trabajados están datados desde hace más de cinco mil años, en la China, Mesoamérica y Australia, ha sido en China donde se ha desarrollado más.87 Los maorís de Nueva Zelanda realizan unas figuras llamadas Hei tiki con nefrita.88
Estuco
Es una pasta conseguida a base de cal, polvo de mármol, arena y cola de caseína. Se empleó ya en la antigüedad en Grecia y Roma para hacer moldes. El arte islámico lo empleó tallándolo como adornos mocárabess que se pueden ver en la Alhambra de Granada. En el renacimientovolvió a resurgir su aplicación para vaciados de yeso del natural, es
decir, sobre diversas partes del cuerpo humano y para hacer mascarillas
de los difuntos, que después, sus familiares las guardaban como
recuerdo. Pero quizá fue en el barroco donde más se utilizó, como motivo decorativo en los techos de palacios. En siglo XX escultores como George Segal o Claes Oldenburg han realizado obras figurativas en yeso.89 90
Metal
Topos V obra en hierro de Eduardo Chillida.
para la mejor adhesión de las chapas que se fijan con clavos o con
costuras por medio de hilos metálicos, hay que ir golpeando el metal y
para seguir el trabajo, hay que calentar las láminas conseguido así
elasticidad al metal. Después de esta primera parte, la obra se retoca
con los buriles y los punzones. Antiguamente estas esculturas se
realizaban mucho para su uso como relicarios, dejando el interior vacío para la custodia de reliquias.91
- Oro.Junto con el cobre
fue uno de los primeros metales utilizados por el hombre, por su
belleza y porque se puede trabajar fácilmente. Se han encontrado
yacimientos arqueológicos en Ur, Troya y Micenas que demuestran que ya se usaba en el neolítico.92 Los escitas
trabajaron en una amplia variedad de materiales pero donde se
distinguieron más fue con el oro, en piezas de influencia griega y con
utilidad decorativa para adorno de sus caballos, vainas de armas y
objetos de joyería. Estas pequeñas esculturas, fueron realizadas con
gran precisión y muy detalladas.93 - Bronce. El bronce, normalmente una aleación de cobre y estaño, es el más utilizado para la fundición
de modelos de escultura. Los bronces «pobres», es decir, los que
contienen un alto porcentaje de cobre, pueden ser trabajados en láminas y
esculpidos en frío con el uso de cinceles, sin embargo, las coladas
aparecen bastante defectuosas. En cambio, las aleaciones con mayor
contenido de estaño o de zinc,
cuando se funden tienen un grado más importante de fluidez y son mucho
más utilizadas en la reproducción del molde; adhieren mejor a las caras
internas y su reproducción permite alcanzar los mínimos detalles.
Normalmente, para la finalización de las esculturas en bronce, se aplica
una capa de pátina que unifica el color.94 - Hierro. Es uno de los metales que se utiliza para hacer esculturas y que se trabaja por medio de diferentes técnicas.
- Acero corten. Este tipo de acero está fabricado con una composición química que hace posible que su oxidación quede más protegida ante la corrosión
atmosférica, por ello, muchos artistas lo utilizan como uno de los
materiales más adecuado para exponer su obra a la intemperie. También se
valora su característico color rojizo anaranjado, que es el resultado
de un alto contenido en cobre, cromo y níquel. Entre los numerosos escultores que lo han utilizado se encuentran Eduardo Chillida, Richard Serra, Jorge Oteiza, Pablo Picasso o Josep Plandiura.
Madera
Sheik-el-Beled, escultura de madera (Museo Egipcio de El Cairo).
físicas y buenos resultados. Hay muchos tipos de madera y en función de
su cualidad puede dejarse la escultura en su color natural o por el
contrario teñir con anilinas al agua o alcohol, policromarse o protegerla con goma laca. Las maderas llamadas nobles suelen dejarse en su color natural, protegidas con una cera neutra. Son el nogal, roble, haya, cedro, caoba y otras.95
La madera se corta al menos cinco años antes de ejecutar la obra, en la estación de invierno cuando la savia
está en las raíces y de esta manera se consigue que esté bien seca y
sin dar lugar a descomposición de la materia. Los árboles presentan unos
troncos con diámetros más o menos limitados y eso obliga, a preparar
piezas diferentes según las necesidades de la obra. Habitualmente la
madera se adquiere en tablones, que previamente al encolado han de
cortarse según la dimensión de la pieza a realizar; para conseguir un
bloque ancho de un mismo tablón han de colocarse los diferentes trozos
uno encima del otro en el mismo sentido que el tablón original. A
menudo, las esculturas de madera se aligeran haciendo un hueco su
interior.96
La escultura en madera policromada ha ocupado un lugar importante
dentro de la imaginería religiosa. Una vez tallada la pieza, se cubría
con una capa de yeso,
o bien con una tela fina sobre la que se ponía yeso como preparación y
se pintaba con colores al temple o al óleo, a veces dorándolas con hojas
de pan de oro.97
Marfil
Crucifijo de don Fernando y doña Sancha, una pieza de marfil.
Es fácil de cortar y si se quieren obtener superficies planas se cortan
los colmillos longitudinalmente y se sumergen en una mezcla de aceite
de almendras con vinagre, al absorber este líquido se ablanda y puede
modelarse ligeramente.98
Tuvo un gran desarrollo en la época románica en zonas de influencia carolingia. Los trabajos en marfil se aplicaban en objetos litúrgicos, en cubiertas de libros o placas para los frontales de los altares. Los olifantes
eran instrumentos de viento tallados con unas delicadas miniaturas y
elaborados con colmillos de elefante, que formaban parte de los
utensilios de caza de los caballeros durante la Edad Media. Se cree que el crucifijo de don Fernando y doña Sancha, fechado hacia el año 1063, fue el primero realizado en Hispania que contiene la representación de la imagen de Cristo.99 Son famosas las tallas de marfil realizadas en Malinas, Rubens
llegó a diseñar esculturas que fueron talladas en este material por
Lucas Faydherbe (Malinas, 1617-1697), que trabajó durante tres años en
el taller del pintor.100
Hormigón
adquirido más importancia a medida que ha aumentado su uso en las fachadas arquitectónicas
de los edificios. Sobre el hormigón se pueden conseguir texturas
diferentes con el uso de cinceles o limas. Es un material económico y
permite su exposición al aire libre. Henry Moore lo empleó en varias obras.101 Se utiliza haciendo un vaciado sólido dentro de un molde de yeso
empapado en agua, para evitar que al poner la mezcla de hormigón, chupe
el agua que esta mezcla lleva. Es conveniente que la masa del hormigón
sea lo más compacta posible para que mantenga su densidad homogénea y
para evitar burbujas de aire al final. Se pueden utilizar moldes
realizados con cajones de madera previamente untados con grasas o
aceites.102
Para la realización de un vaciado, el molde de yeso debe aislarse con capas de goma laca. El hormigón debe ponerse en capas y con trozos de fibra de vidrio adaptándolo a la forma final de la escultura, y hay que dar dos o tres capas intercaladas.103
También el hormigón puede ser modelado sobre una carcasa realizada normalmente con varas de acero dulce y una red metálica. Esta armadura se cubre con una mezcla espesa de hormigón, reforzándola con fibra de vidrio. Cuando esta capa está casi seca se modela sobre suyo, con otra masa más espesa de hormigón, hasta la finalización de la obra.104
Técnicas
Los escultores suelen preparar su obra construyendo un pequeño modelo de la figura, de arcilla o yeso.78 Este modelo equivale al esbozo del pintor o plano del arquitecto. El procedimiento fundamental y el más clásico es el esculpido, sirviéndose de escoplo, buril o cincelsegún las necesidades, incluso los procedimientos de fundir y moldear
requieren retoques de cincel en los detalles. Además, se usan otras
acciones como el modelado o vaciado, el cincelado, el repujado, el
embutido, el grabado y el estampado o troquelado. Es interesante darse
cuenta de lo poco que han cambiado con el paso del tiempo las técnicas
del modelado y la talla, en comparación con los cambios que se han
producido en otras técnicas de bellas artes. Sólo en el siglo XX se empezaron a introducir nuevos métodos de trabajo.105
Máquina de sacar puntos, útil para la piedra y para la madera.
Gubias para la talla de la madera.
Amasado de la arcilla.
Bronce líquido volcado dentro de moldes.
- Esculpir, consiste en sacar partículas al bloque ya
desbastado hasta obtener la figura deseada. Antiguamente la talla se
efectuaba con instrumentos de hierro, que por su blandura se
deterioraban pronto. En algunas esculturas aún se observa la señal de
punzones y cinceles. Actualmente, además de las herramientas
tradicionales, se utiliza el disco de diamante para la piedra y los
discos de widia para la madera.106
Para reproducir, la misma medida, las formas del modelo sobre
materiales como la piedra o madera se utiliza el método de sacar puntos
con la ayuda del puntómetro o «máquina de sacar puntos». Es un artefacto
con una combinación de varillas metálicas articuladas terminada en una
aguja de sección triangular afilada en punta, con el que se miden los
puntos determinados en un modelo y se traspasa esta medida al material
donde se hace la escultura definitiva. La aguja se desplaza por una guía
para buscar la profundidad del punto y se fija con un tornillo.107 - Modelar. Es dar la forma deseada a una pasta, añadiendo o sacando porciones de la masa.
- Arcilla. Normalmente para el trabajo de las esculturas en arcilla, muchas culturas utilizaron las mismas técnicas que para la alfarería,
con rollos, placas o tubos de arcilla. También se ha utilizado la
presión; la arcilla húmeda se comprime en moldes de barro previamente
cocidos. Esta técnica fue empleada por los griegos ya en siglo III a. C., como se observa en unas figuras conocidas con el nombre de Tanagra.58
La arcilla, una vez modelada y antes de su cocción en el horno, debe
mantenerse en contacto con el aire o en un ambiente seco, para su
desecación para que adquiera consistencia y evitar deformaciones.108 - Cera.
La cera se modela como material auxiliar para la realización de bocetos,
estos sirven al escultor ya sea como guía para visualizar su obra final
en otro material, o como matriz para el vaciado posterior en bronce.
Más recientemente se ha utilizado para la creación de personajes que se
exponen en numerosos museos
de cera. A nivel decorativo se hacen diversos objetos como imitaciones
de frutas en cera. Como en el modelado con arcilla las manos del artista
son la primera herramienta a tener en cuenta, pero puede ayudarse con
espátulas, rascadores y limas. La sustancia puede ser cera virgen de
abeja o cera industrial que se puede encontrar en el mercado con varias
durezas. Para construir la base para montar la cera es necesaria una
armadura que puede ser desde un simple alambre de cobre, para piezas pequeñas, hasta otras más complicadas cuando la obra es de mayor envergadura.109 - Plastilina.
Se modela con las manos o pequeñas espátulas, prácticamente igual que
la cera, y sirve como boceto para la obra escultórica. La plastilina
encuentra también un lugar destacado en animación. Nick Park es un promotor de su uso, que ganó dos premios Óscar con los cortometrajes de Wallace y Gromit (1992-1995).
- Arcilla. Normalmente para el trabajo de las esculturas en arcilla, muchas culturas utilizaron las mismas técnicas que para la alfarería,
- Vaciar es obtener el positivo de un molde, o negativo. La
técnica que se refiere a la elaboración de los moldes se denomina
moldeado. Se pueden hacer piezas de yeso, pero no son valoradas ya que el material es pobre y fácil de sufrir rupturas; de resina sola, o combinada con otros materiales para aportar a la pieza un aspecto, color o textura determinados; de metal; etc. - Cera perdida. El método de la cera perdida es el más extendido para los metales como el bronce,
el cual se cuela dentro del molde en forma líquida y así llega a todos
los rincones. Cuando se solidifica se consigue una copia completamente
fiel al modelo del molde. Históricamente se conoce el uso de la
fundición a la cera perdida ya en estatuas de gran tamaño desde el siglo
II en Egipto y Mesopotamia y su uso sistemático desde el siglo V en
Grecia. Desde entonces la escultura en bronce se ha realizado con este
método ya que permite la reutilización de los moldes y por tanto la
reproducción en serie de la escultura.110 - Cincelar es retocar con cincel las figuras obtenidas por el vaciado y también formar bajo relieves con el cincel en una lámina metálica.111
- Repujar es producir en una lámina de metal a fuerza de
martillo sobre algún molde los relieves y los huecos necesarios para
conseguir la forma que se pretende.112 - Estampar o troquelar es imprimir sobre una lámina de metal o de pasta un cuño o troquel con las figuras en hueco para que éstas resulten de relieve.
- Soldadura eléctrica: la soldadura eléctrica se utiliza fundiendo un electrodo de hierro
en las superficies que se desean unir, por obra del paso de corriente
eléctrica. Se caracteriza por efectuar una unión sumamente sólida y
rígida. Esto permite unir objetos de hierro diversos (chatarra, piezas
preformadas mediante el repujado o la forja, etc.). - Soldadura autógena: este tipo de soldadura permite generar
una escultura por aporte, técnica similar a la que se practica con
arcilla. La fortaleza de la soldadura es menor que aquella lograda por
la soldadura eléctrica, pero tiene la ventaja de permitir la creación de
obras más plásticas - Embutir es aplicar sobre un molde duro una delgada chapa de
metal precioso para que a fuerza de golpes tome su forma y después, al
retirar la chapa y unir sus bordes, quede una estatua u objeto artístico
hueco pero con apariencia maciza. También se llama embutido e
incrustado el resultado de introducir algunas piezas en las abertura o
surcos practicados en otras.72 - Galvanoplastia. El descubrimiento de la galvanoplastia se produjo en la primera mitad del siglo XIX. Consiste en depositar por electrólisis cualquier tipo de metal sobre la superficie interior de un molde sacado en negativo de una pieza original.113
Al principio se utilizaron moldes de metal como buen conductor
eléctrico, más adelante se utilizaron moldes de plástico resistentes a
la acción química del baño electrolítico, consiguiendo que fueran
conductores de electricidad cubriéndolos con polvo de grafito o cualquier otro metal que el punto de fusión fuera inferior al del metal que debía depositarse para conseguir la pieza final.114
Las reproducciones salen bastante baratas, pero al poder ser muy
numerosas pierden un poco el valor de obra de arte, empleándose más para
objetos industrializados.114
| MÉTODO | MATERIAL | TÉCNICA |
| Agregando | Arcilla, metal, madera | Modelado, soldadura, encolado |
| Quitando | Piedra, madera | Esculpido, talla |
| Vaciado | Escayola, hormigón, metal, plásticos | - |
Esculturas de la antigüedad famosas y desaparecidas
- Coloso de Rodas.
Fue una estatua de bronce, de tamaño gigantesco que se supone realizada
entre los años 303 y 280 a. C. Se atribuye al escultor griego Cares de Lindos, discípulo de Lisipo. Medía 30 metros de altura y estaba situada a la entrada del puerto de Rodas, visible para los barcos que se aproximaban a la isla. Se consideró por los antiguos como la sexta maravilla del mundo.
Los escritores romanos hicieron una descripción de esta obra. Se erigió
para conmemorar la victoria de los habitantes de Rodas contra el
general de Macedonia Demetrio Poliorcetes. - Atenea Partenos de Fidias.
- El Zeus Olímpico de Fidias
- Coloso de Nerón en Roma.
Véase también
- Arte moderno
- Arte contemporáneo
- Bajorrelieve
- Historia de la escultura
- Desnudo (género artístico)
- Talla en jade
- El contenido de este artículo incorpora material de una entrada de la Enciclopedia Libre Universal, publicada en español bajo la licencia Creative Commons Compartir-Igual 3.0.
Referencias
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